Музей энди уорхола: (The Andy Warhol Museum)/

Содержание

о соц-арте, Энди Уорхоле и покупке душ

В Московском музее современного искусства открылась ретроспектива знаменитого арт-дуэта.

Художники изобрели один из самых ироничных стилей в искусстве — соц-арт, который стал пародией на социалистический реализм. Комар и Меламид начали работать вместе еще в СССР в 1972 году, а спустя четыре года эмигрировали в США, продержавшись в дуэте долгих 30 лет. На выставке можно увидеть самые известные работы классиков соц-арта, как американского, так и советского периода. Экспозиция устроена как увлекательный квест, который начинается в советских коммуналках и красных уголках и продолжается в новой американской реальности, где зрители попадут в Овальный кабинет Президента США, «белый куб» современного музея и даже джунгли.

Как появился соц-арт, легко ли научить рисовать слонов и почем они купили душу Энди Уорхола, Виталий Комар и Александр Меламид рассказали Елене Федотовой.

К сожалению, классики самого смешного художественного стиля совершенно серьезно перестали общаться друг с другом много лет назад, поэтому интервью дают только отдельно.

Виталий Комар

Правда ли, что вы с Александром Меламидом познакомились в морге?

Да. Мы были студентами Строгановского училища, которое не имело своей анатомички, поэтому мы ходили в Институт физкультуры. Пластическая анатомия изучает те мышцы, которые выступают под кожей. А для художника очень важно видеть то, что находится за поверхностью вещей. Мы взяли бутылку коньяка и выпили ее за большой прозрачной ванной, где плавал неопознанный труп.

Но соц-арт появился не тогда, а позже?

Соц-арт появился раньше, он существовал на советских улицах в виде пропагандистских плакатов. На Западе была реклама, которую художники поп-арта внесли в музей. Мы сделали то же самое — внесли на территорию искусства то, что видели на улице. Западная реклама и советская пропаганда очень похожи. Так что мы вправе называть советскую пропаганду рекламой идеологии, а западную рекламу пропагандой потребления.

Факт, что он появился анекдотичным образом. Вы делали какие-то наглядные материалы для пионерского лагеря и что-то пошло не так?

Пионерский лагерь был завершающим этапом возникновения соц-арта. В 1967 году, когда мы окончили Строгановку, отмечался огромный юбилей — 50 лет советской власти, повсюду разразилась карнавальная фантасмагория. В следующем году праздновали юбилей Красной армии, потом создание СССР, присоединение республик. Если поп-арт возник в результате перепроизводства товаров на Западе и их рекламы, то соц-арт возник как реакция на перепроизводство наглядной агитации.

А в 1972 году отмечали юбилей пионерской организации и нам заказали плакаты для пионерского лагеря. Мы начали работу в декабре. Работали в неотапливаемом помещении клуба, который продували ледяные ветры. Было очень холодно, и мы согревались мечтами о гонораре и водкой. И алкоголь в сочетании с надеждой на будущее дал приступ самокритики. Мы уже были частью неофициального искусства, у нас прошла выставка в легендарном кафе «Синяя птица», будущем джаз-клубе. И до чего мы докатились?! Из-за денег! Делаем плохую работу, пьем дешевую водку, рисуем ужасные лица пионеров-героев, которые заложили родного папу.

И мы подумали, а что если бы возник такой воображаемый художник, персонаж, который делал бы все это от души? Подписал бы официальные советские лозунги своим именем, как крик души, как личное восклицание? В образах героев безымянных плакатов изобразил бы себя и своих родственников, например. Это был неожиданный поворот темы. Я помню, что мы засыпали с чувством, что сделали великое открытие.

Так и появился художник «Комар & Меламид».

То, что мы сделали, раскрывало какой-то неожиданный ход, концептуальный поп-арт. Искусство официальное по форме и неофициальное по содержанию. То, что типично для пародии. Вообще пародия и травестия лежат в основе современного искусства. В классическом искусстве очень мало самоироничных автопортретов. Мало художников, которые могли посмеяться над собой. А мы сделали автопортреты в образе Ленина и Сталина. Алик изобразил своего отца в образе героя в стиле мозаики, а я своего сына и жену — в плакате, где она возносила его к солнцу.

Ваши перформансы советского периода были отчаянно смелыми. Вы, например, делали котлеты из газеты «Правда», а на одном из квартирников изображали Ленина и Сталина и руководили группой, которая рисовала большую соцреалистическую картину. Не страшно было?

В том перформансе мы заставляли зрителей рисовать огромное соцреалистическое полотно на основе передовицы в газете «Правда». Алик играл Сталина, а я Ленина, потому что носил бородку и усы. Нас тогда арестовали, зрителей тоже замели, и в ту ночь мы сблизились с Оскаром Рабиным. У нас возник разговор, что надо искать альтернативные площадки, чтобы выставляться. Ведь все принадлежало государству. Мы думали, может быть, воздух свободен. И можно выйти куда-нибудь на пустырь, чтобы показать наши работы. И мы устроили показ, который потом стал известен как Бульдозерная выставка. Но оказалось, что воздух тоже принадлежал советской власти. И появились люди в штатском, и стали ломать работы.

И после этого возникла идея уехать.

Конечно, это было сильное потрясение, когда вашу работу уничтожали на ваших глазах.

Когда вы уехали из СССР на Запад, ваше представление о нем совпало с действительностью?

Может, я не так представлял себе роль рынка. Но в 1970-е она была не такая и на моих глазах увеличивалась. Где-то в 1980-е годы главной сенсацией стала не форма и концепция, а цены на аукционах. Появилось множество разных стилей, в которых было трудно разобраться.

Люди начали теряться. И получилось то, о чем говорил Пифагор: «Миром правят цифры». Цены стали определять ценность искусства.

Ваш проект, когда вы организовали корпорацию «Комар и Меламид» и покупали души, видимо, был реакцией на рыночную экономику?

Фактически это была пародия на бизнес нашего галериста Рональда Фельдмана. Ведь художник вкладывает душу в произведение искусства. Это клише. А продает ее галерея и получает 50 процентов. Один теолог, узнав о нашем проекте, сказал, что наша акция незаконна, потому что в Библии написано, что все души принадлежат Богу. А по закону никто не может продать то, что ему не принадлежит. Но в нашей акции покупатели приобретали документ, что человек продал душу. И нигде не написано, что они купили душу. Мы не продавали, а ставили на комиссию. Это совершенно другая история.

В одном из своих самых известных проектов американского периода вы учили рисовать слонов. Слоны оказались способными учениками?

Первое упоминание о рисующих слонах появилось еще у Плиния-старшего 2000 лет назад.

Он описывает слона, который камушком рисует какие-то знаки в пыльном грунте. У слонов всегда было необъяснимое желание рисовать. Они испытывают удовольствие, делая линии. Все, что мы сделали, — дали слонам легкорастворимые краски, кисти и бумагу. Знаменитый анималист Ватагин считал, что Кандинский видел в зоопарке слона, который делает эти линии, и так изобрел абстракцию. Ватагин получил заказ от дарвинистского общества сделать зарисовки с животных, и там он увидел рисующего слона. И он написал об этом сестре. А сестра Ватагина состояла в том же теософском кружке, что и Кандинский, и она рассказала об этом на заседании общества. И сам Рудольф Штайнер сказал, что, возможно, это реинкарнация художника. А Кандинский якобы сразу приехал посмотреть на этого слона, но это бездоказательная теория. Это немного принижает изобретение Кандинским абстракции, но показывает, насколько мы подражаем животным, а не они нам.

Александр Меламид

Вы с Виталием Комаром были одними из самых дерзких и провокационных художников в Советском Союзе, позволяли себе смеяться над советской властью, и эти шутки могли вам дорого стоить.

Моя мама говорила: «Тебя же посадят!»

Вы не боялись?

Наверное, да. Но недостаточно боялись, чтобы не делать этого.

Почему вы все-таки решили эмигрировать?

Мы решили это с самого начала. Так получилось, что мы не принадлежали никакому кругу — ни официальному, ни неофициальному. И существовали где-то между этими мирами. Но мы знали, что существует другой мир, настоящий, благородный, в котором есть истина. Нам казалось, что есть люди, которые по-другому мыслят. Какой-то идеальный зритель. У нас было много работ на английском. При этом мы не знали ни слова. У нас была знакомая, которая работала со студенческим обменом, и мы обращались к ней за помощью в переводе, чтобы говорить на языке мира. Хотелось миру объяснить смысл нашего искусства.

И этот идеальный мир в итоге оказался?..

Таким же.

Когда вы это поняли?

Довольно быстро. Изначально нас поддерживали, так как для них мы были такими экзотическими птицами. Но скоро мы почувствовали себя игрушками. Потому что, пока мы говорили о Советском Союзе, это проходило, но, когда мы перешли к критике их жизни, все стало сложнее. Я всегда цитирую замечательное выражение Герцена «Мы не врачи — мы боль». Болезнь находится не снаружи, а внутри нас. Но в этом никто не хочет признаваться.

Значит, ваши ожидания от жизни на Западе не совпали с реальностью?

Нет, это была полная неожиданность. Помню, когда я первый раз поел в китайском ресторане Take out. Это была грязная китайская забегаловка. И я понял, что есть другая жизнь! Я не знал, что существует другая кухня! Другие вкусы! Через язык это ощущение пошло в мозг и для меня открылся новый мир.

Вы могли прожить в Америке на свое искусство? Или пришлось как-то зарабатывать?

В результате не пришлось. Но мы жили бедно. Особенно мне досталось, потому что у меня двое детей. И я с гордостью говорю, что я знаю, что такое настоящая бедность.

Да, невесело…

Напротив, бедность — это всегда весело. Только дешевые рестораны вкусные. Все эти мишленовские звезды, вот где настоящая гадость.

Но вы вошли в американскую арт-среду, вас приняли хорошо?

Да, конечно.

В одном из ваших самых известных проектов, который был пародией на арт-рынок, вы покупали души. И даже Энди Уорхол вам продал душу. А как это случилось?

Первым делом, когда мы приехали, у нас взяли интервью The Village Voice. Это была самая прогрессивная газета — самая богемная, интеллектуальная. И нас спросили, c кем вы хотите встретиться? А мы знали только Уорхола, к нему нас и повели. А до этого он нам прислал свою книгу «Философия Энди Уорхола — от А к В». Она у меня лежит с дарственной надписью.

И как вы нашли Уорхола?

Он был полный идиот! Городской сумасшедший. Изображал он дурака или нет — вот это был вопрос!

Но он продал вам душу всего за 0 долларов!

Мы поняли потом, что это была не первая продажа. Видимо, много раз он продавал, поэтому так дешево.

Когда развалился Советский Союз, что вы почувствовали? Ведь соц-арт мог умереть, так как объект вашей критики исчез?

Он должен был умереть. Но он не умер — в этом трагедия. Казалось, что все это рухнуло, но сейчас все вернулось. Когда СССР не стало, мы уже больше 10 лет жили в Америке и нас это событие не сильно взволновало.

Но когда в конце 1980-х началась Перестройка и пошла «красная волна», вы стали очень востребованы?

Все покатилось по инерции. Лучшие мировые музеи начали покупать наши работы — Метрополитен, МОМА. Бесконечные лекции, выставки. Мы жили как в тумане. У нас было самое длинное название Russian Nonconformist Conception Political Artist.

Ваш проект по обучению животных творчеству — вы с Виталием Комаром учили слонов рисовать, а обезьян фотографировать — был очень успешен. С чего вам в голову пришла эта идея?

Была большая выставка в Хельсинки. Мы делали инсталляции, и там же выставлялись гигантские холсты Герхарда Рихтера. Тогда он был уже старым человеком. И что-то там размазал на холсте. И я подумал, что это? Это какой-то идиотизм! Он что, всех за идиотов считает? А нам говорят, что это замечательно. Я думаю, что наше понимание искусства строится на том, что существует какая-то невидимая сила, особые микробы, которые на нас действуют. (Смеется.) Иначе искусство невозможно понять. Это необъяснимо! Современное искусство появилось после падения религии. Началось разложение религиозного сознания, возник атеизм. Я вам рекомендую прочесть профессора Ричарда Попкина «История скептицизма». Без этого ничего не поймешь.

Животные — талантливые художники?

Они такие же талантливые, как Рихтер.

Значит, очень. Вы проработали вместе 30 лет, будучи абсолютно разными людьми. Ваши взгляды порой диаметрально противоположны. Как вы продержались так долго?

Есть замечательная книга, которая очень неприлично называется «Кукрыниксы втроем». Это мемуары знаменитых карикатуристов. Никто эту книгу не читал, кроме меня. Я много понял из этой книги. Занятная книга, рекомендую. Там совместная работа очень хорошо показана. Любое соавторство может развалиться. Я думаю, что никакой трагедии в этом нет. Это нормально. Тут ведь как в математике, в молодости делаешь открытия, потом живешь и всю жизнь разжевываешь.

Соц-арт давно признан во всем мире, а вы — его основатели. Каково это — чувствовать себя классиком?

Недавно я написал письмо Путину с просьбой назвать корабль или самолет моим именем. Россия ведь страна гениев, а я — гений! (Смеется.) У меня в последнее время возникла замечательная идея — воздерживаться от мнения, потому что очевидно, что истина нам недоступна. А любое доказательство бесконечно. Самое главное в жизни, не что ты думаешь, а о чем ты думаешь. И почему ты думаешь об этом. Почему ты думаешь о картине Рихтера? Потому что он знаменитый художник? Есть замечательная книга Секста Эмпирика, философа-скептика II века нашей эры. Гениальная! Просвещение началось, когда ее перевели с греческого на латынь. Мир изменился. Люди поняли, что можно задавать вопросы, сомневаться. Лет 10 назад я проснулся и подумал: «Я художник. Есть искусство. А может, все это ерунда?» И это было открытие.

биография, личная жизнь, творчество :: SYL.ru

Если когда-нибудь вам придётся увидеть картины этого удивительного художника Энди Уорхола, то вы уже никогда их не забудете. Где-то в глубинах вашей памяти обязательно останутся воспоминания об его необычных, но очень ярких картинах. Вот только не каждый, кто знаком с его полотнами, знает о самой личности художника. Уорхол Энди является весьма загадочной фигурой, одной из самых известных, но при этом самой противоречивой. Работы этого мастера стали ярким триумфом и коммерческим успехом американского поп-арта. Кем он только не был: художником, скульптором, дизайнером, режиссером, продюсером, писателем, коллекционером. Даже из своей жизни этот необычный художник сделал произведение искусства, создавая всё новые мифы о своей легендарной персоне.

О родителях будущего художника

Талантливая личность, известная сегодня всему миру, появилась на свет 6 августа 1928 года в Питтсбурге (Пенсильвания), в многодетной семье иммигрантов, которые переехали в Америку из Восточной Европы. Уорхол Энди, а настоящее его имя — Андрей Вархола, был самым младшим, четвертым ребенком. У него было два старших брата и сестра, которая умерла ещё до того, как родители переехали в США. Наиболее достоверные данные указывают на то, что родина семьи Уорхола — Словакия. Хотя своим этого неординарного художника считают три страны – кроме Словакии это США и Украина. Но безошибочно ясно одно – его наследие принадлежит всему миру, а не отдельной стране. Родители Энди Уорхола не имели никакого отношения к искусству. Отец был работником угольной шахты, мама, не зная английского, вынуждена была подрабатывать уборкой, а ещё продажей собственноручно сделанных цветов из бумаги.

Детские годы Энди Уорхола

Будучи ещё совсем маленьким, Энди начал часто болеть. С 4 до 8 лет он перенес не одно тяжелое заболевание, среди них самым страшным была болезнь хорея Сиденгама, или «танец святого Витта». Мальчик страдал от приступов и был буквально прикован к кровати. В школе он становится изгоем. Также ребёнок стал слишком мнительным, начал бояться больниц и врачей. Этот страх не отпускал его до самой смерти. В это нелёгкое время Уорхол Энди играл с вырезанными куклами, слушал радио. Мать тогда рисовала сыну разные картинки, постепенно он и сам начинает рисовать всевозможные предметы, окружающие его, а также составлять коллажи из старых газет. Так ещё в раннем детстве у Энди появился первый интерес, а потом и любовь к рисованию. Несколько позже мама Уорхола, заработав немного денег, приобретает сыну небольшой кинопроектор, через который он смотрел рассказы в картинках на стене комнаты. Таким образом, в детстве начинает постепенно развиваться творческий потенциал будущего художника. Когда Энди исполнилось 9 лет, он начинает посещать курсы художественного мастерства, которые велись бесплатно. В 13-летнем возрасте мальчик теряет отца, тот погибает на шахте.

Образование Уорхола

Ещё учась в школе, юноша планировал поступить в Университет Питтсбурга, а получив там художественное образование, преподавать рисование. Но по окончании школы планы меняются, Уорхол Энди поступает в Технологический институт Карнеги. В его планах — карьера коммерческого иллюстратора. В 1949 году он уже бакалавр изящных искусств на отделении «Графический дизайн». Учился будущий художник хорошо, даже был лучшим на курсе, но не всегда находил общий язык как с сокурсниками, так и с преподавателями. У него всегда была активная жизненная позиция. В это время Энди посещает вечеринки, концерты симфонических оркестров, интересуется балетом.

Начало трудового пути

Окончив институт и получив диплом, молодой Уорхол переезжает в Нью-Йорк. Он, как и другие художники поп-арта, начинает свою трудовую карьеру художником обычной рекламы. Юноша занялся оформлением витрин, делал рекламные плакаты, рисовал праздничные открытки, а также декорировал стенды. Немного позже он начинает плодотворное сотрудничество с такими популярными глянцевыми журналами, как Harper’s Bazaar, Vogue, и с другими менее известными изданиями. Благодаря этим журналам, известным становится и их художник-иллюстратор — Энди Уорхол. Биография его жизни на этом этапе отмечается большим подъёмом в финансовом плане, однако Уорхол мечтает о «высоком искусстве».

Энди Уорхол. Творчество. Первый успех

Начало 50-х годов отмечено в биографии неординарного художника первым заметным успехом. Всё произошло после того, как он придумал рекламу обуви для компании «И. Миллер». Эксцентричная манера рисования Уорхола пришлась всем по душе. Он изобразил на нарисованной чернилами обуви специально сделанные кляксы. Это был переворот в мире рекламы, а для Энди — первый творческий успех, который принёс ему новые выгодные контракты. Вскоре художник Энди Уорхол начинает получать в год больше 100 тысяч долларов. А 1952-й — это год, когда состоялась первая выставка, на которой были представлены его работы. Выставка прошла в Нью-Йорке, а уже через четыре года Уорхола принимают в «Клуб художественных редакторов». Совсем скоро он уже начинает создавать свои картины, которые строит на необычном методе — трафаретная печать. Так он увлекся ещё и фотографией, но особое место в своей жизни Энди отводил изобразительному искусству.

Энди Уорхол — неординарный художник. Его визитная карточка

Заявить о себе как о художнике, который видит искусство весьма неординарно, Уорхолу помог случай, ставший судьбоносным. Использовав идею одного арт-диллера по-своему, Энди создаёт ряд полотен с изображением банок томатного супа и изображение долларовых банкнот.

Выставка этих картин в одной из галерей Нью-Йорка произвела настоящую сенсацию, а изображение консервы Campbell`s станет позже его визитной карточкой. Фантазия художника не имеет границ. Что ещё придумает этот странный молодой человек Энди Уорхол? Картины свои он начинает создавать с помощью техники шелкографии. Она позволяет много раз повторять одно и то же, те же образы, те же штрихи. К этому монотонному повторению и стремился Уорхол. Это и будет характерная черта его творчества.

Создание собственной фабрики

В 1963 году Энди Уорхол вместе со своим друзьями решает создать свою собственную студию или мастерскую. Для этого он приобретает заброшенное старое здание в самом центре Нью-Йорка, оно и станет его творческой студией. Энди придумывает ей простое незатейливое название Factory. Это был в своем роде плацдарм, на котором известный мастер создавал и представлял свои работы. Уорхол Энди нанимает команду молодых творческих людей-художников. Их задание — пускать на поток произведения признанного мэтра. Фабрика стала настоящим коммерческим предприятием, в день в ней производилось около 80 шелкографий, а за год это число составляло тысячи работ. Наладив работу по массовому производству, Энди Уорхол картины и портреты знаменитостей сделал символом поп-арта и художественной культуры Америки ХХ века, но чисто коммерческим. Эта студия действовала более двадцати лет, и её считали самым безумным местом на земле. Там царила вседозволенность, где не только рисовали, снимали фильмы, выпускали массовые шелкографии, но и жила, устраивала вечеринки его творческая команда.

О личной жизни художника

Каким был на самом деле этот эксцентричный, нестандартный и даже странный Энди Уорхол? Творчество его отличалось смелостью, эпатажем, оно было андеграундным, трёхмерным, созданным, как киноплёнка. Этот имидж его как супер-звезды был открыт обществу, в отличие от личной жизни, которую Энди старался держать в тайне. Неудивительно, что его личность очень интересовала публику. Уорхол несколько десятилетий был в центре художественной нью-йоркской тусовки. Однако на самом деле Энди был великим эксцентриком, скромным, даже закрытым человеком, а к концу жизни даже глубоко верующим. Многие исследователи жизни и творчества художника считают его гомосексуалистом, находя подтверждения не только в его поведении, но даже в его творчестве: серия живописи и несколько фильмов. Уорхолу приписывают таких бойфрендов, как Джон Джорно, Билли Нейм, Джон Гулд, Джед Джонсон. Но у Энди Уорхола была ещё настоящая муза.

Это Эди Седжвик — модель, актриса, которая однажды попала к нему на «Фабрику» и полностью очаровала его. Ходили слухи, что у них роман. Они были как две половинки одного целого. Но Эди злоупотребляла наркотиками, из-за чего её жизнь и оборвалась в возрасте 28 лет. Сожалел ли об этом Энди Уорхол, личная жизнь которого была так тесно связана с этой королевой Манхэттена, неизвестно. Но то, что она была его музой, не вызывает никакого сомнения.

Последние дни жизни Уорхола. Его творчество сегодня

На Энди Уорхола в 1968 году было совершенно покушение бывшей моделью его «Фабрики» Валери Солан. У него была клиническая смерть, но он выжил, хотя и сильно после этого изменился. Умер в нью-йоркской больнице 22 февраля 1987 года, во сне. На сегодняшний день его считают главным художником конца ХХ столетия. О нём снимают фильмы, пишут книги, организовывают выставки. Состояние Уорхола, которое оценивают в сто миллионов, было завещано им самим его собственному фонду, который поддерживает художественные организации. Сегодня в Питтсбурге находится музей Энди Уорхола, который был открыт в 1994 году. В его коллекции — 4258 экспонатов: 900 работ живописи, серии шелкографий, графические работы, фотографии, скульптуры, видеоработы и кинофильмы.

«Восемь Элвисов», Энди Уорхол — описание картины

Восемь Элвисов — Энди Уорхол. 1963. Шелкография на холсте. 200 x 370 см

В картине Энди Уорхола «Восемь Элвисов» нашли своё отражение не только интерес мастера к выдающемуся человеку своего времени, но и достаточно глубокий философский подтекст.

Произведение представляет собой многократное изображение самого успешного в коммерческом смысле певца XX века Элвиса Пресли. Каждый последующий отпечаток наслаивается на предыдущий, постепенно «собираясь» к правой части работы, где изображения находятся, фактически, одно на одном. Представленная работа не столько позволяет нам вспомнить об известном певце с выразительным вокалом, сколько уносит в метафизические размышления (зная о том, как закончил жизнь знаменитый красавец) – монотонность и пресыщенность одинаковыми образами и клише, страх смерти, бренность существования, забвение и роль даже самых выдающихся деятелей в контексте «сжимающегося» линейного времени.

Картина выполнена в любимом цвете автора – серебряном, в привычной для него авторской технике, позволяющей любой свой шедевр многократно копировать. Кто сказал, что искусство должно быть уникальным? Уорхол разрушал стереотипы, превратив свою работу, в некотором роде, в фабричный подряд с множеством подмастерье, которые тиражировали придуманную мастером идею, образ, идол.

Для своей работы Уорхол взял кадр из фильма, где снимался его герой — Flaming Star. В первоначальном варианте Элвисов было 16, позже автор оставил лишь 8, попутно создав ещё несколько аналогичных работ — «двойной» и «тройной» Элвис.

С самого начала создания, «Восемь Элвисов» окутывал некий ареол таинственности. Вначале работа принадлежала известному коллекционеру Аннибале Берлинджери, который никогда, не смотря на просьбы, не предоставлял картину к какой бы то ни было выставке.

В 2009 году разразилась сенсация, шокировав публику — журнал «Экономист» написал о тайной сделке, проведённой год назад при посредничестве арт-дилера Philippe Segalot, бывшего сотрудника элитного аукциона «Кристис», по которой «Восемь Элвисов» перешла в руки другого частного коллекционера за рекордные 100 млн. долларов. Кто является владельцем картины сегодня неизвестно.

Господин Берлинджери, которому 40 лет принадлежали «Элвисы», ни даёт никаких комментариев о том, кому он продал одну из самых известных работ Уорхола. Местонахождение работы до сих пор неизвестно и вряд ли в ближайшее время публика сможет её увидеть.

Лишь в 2013 году ценовой рекорд был побит другой картиной Уорхола. За его «Серебряную автокатастрофу» (1963) было выложено на 5 млн. больше. Безумный мастер и после смерти куёт безумные деньги!

Энди Уорхол — фото, биография, картины, работы, личная жизнь, причина смерти

Новости
Статьи
Биографии
Гороскопы

Главная
Знаменитости
Художники
Энди Уорхол

Andy Warhol

Выставка Энди Уорхола в Тейт Модерн

В Тейт Модерн открылась выставка суперзвезды поп-арта — Энди Уорхола. Его можно обожать или недолюбливать, но нельзя не признавать того факта, что Уорхол совершил революцию и в художественном мире, и в сознании обывателей — ему удалось перевести образы массовой культуры в разряд искусства и, наоборот, вывести элитарное искусство из музейных залов в массы. Городской журнал Afisha.London побывал на открытии, чтобы от первого лица рассказать вам о самом интересном.